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高野諒大（maya ongaku）インタビュー【『Nothing Space Music』後篇】「ひたすらループのなかで弾く」
- Interview : Shutaro Tsujimoto (Bass Magazine Web)
- Photo : Hiroki Obara
maya ongakuの2ndアルバム『Nothing Space Music』の制作背景に迫るインタビュー。
記事の前篇はこちら。
ノリすぎない、スウィングしすぎない、というイメージはありました
⸺アルバム全体で、最初に録った曲だったんですね。
はい。ただ、全曲録り終わってから“ちょっと違う”となって、テンポを少し遅くして録り直したんです。ベース・ライン自体は変わらないんですけど。最初に録って、結局一番最後にも録った曲ですね。
曲全体を通して意識しているのは、音数です。ドラムがいないので、ベースの音数とノリが、曲全体のノリに直接影響する。そのなかで、ノリすぎない、スウィングしすぎない、というイメージはありました。ライヴでもやっていたので、そういうグルーヴのアプローチはできていたんですけど、もっと良いフレーズがあるなとも思っていて。
そこは、みんなでけっこう考えましたね。コードのどの音を使ったら良いか、邪魔にならないか、いろいろなスケールやフレーズで何パターンも演奏し続けて。“その音はないほうがいい”というものを、どんどん消していくなかで決まったフレーズでした。
⸺リフを作るまでの過程に苦労したと。
そうですね。そのフレーズにたどり着くまでが、一番大変でした。アコギのフレーズともかぶらないようにしたいので。空いたところに美しく入って、コードにもちゃんと合うフレーズを探す。“これは違う”という失敗がいろいろあるなかを抜けて、最後に“ここはイケてる”というものを探す感じですね。
⸺最終的に、これだと思えるものはどうやって見つけましたか？
みんなが“これならいいんじゃない？”となって、実際に録って、聴いてみて、良かったらOKという感じでした。僕自身、即興的に弾けるタイプでも、ベースがうまいタイプでもないので、“楽曲のなかで良いベース・ラインを弾きたい”という気持ちが強いんです。そうやって時間をかけて作れたと思います。
⸺フレーズが出てこないときは、鍵盤やMIDIで試してみることもありますか？
ひたすらループのなかでベースを弾きます。シンセ・ベースにはシンセ・ベースの世界があるので。フレーズを探すために鍵盤を使うというより、シンセ・ベースを弾き始めたら、その楽器に合うフレーズになる。エレキ・ベースに合うフレーズとは全然違うと思うんです。今回のアルバムにもシンセ・ベースは入っていますけど、僕は演奏していなくて。基本的にはエレキ・ベースを弾いています。
⸺「Flowing」ではシンセ・ベースが使われていますよね。
全員でフレーズを考えて、抄英のGrandmotherというシンセを使って録ったので、演奏したのは抄英なんですけど。演奏といっても、クリックに合わせて、“これはむしろ機械的なリズムのほうが気持ちいいよね”となったんです。何回かに分けて録ったものをシーケンスに組んで、それを流す形で録りました。
ベースの基本的なトラックは、あまりアップダウンがないくらいにしたほうが、あとからほかの楽器を自由に重ねられる
⸺エレキ・ベースとシンセ・ベースのどちらを使うかは、どの段階で決めるんですか？
最初から決まっているわけではなくて、実際に弾いてみて、曲の空気にシンセ・ベースが合っていれば、そちらを使うという感じです。今回のアルバムでは、みんなでそういう話をしたわけではないんですけど、僕としては有機的な音楽がいいなと思っていたんです。曲にもそういうものが合うだろうと思っていたので、できるだけエレキ・ベースを実際に演奏して入れたほうが良いんじゃないか、と。
それこそ、「Thinkingscape」にはウッド・ベースも入っているんです。僕が家具屋で2万円くらいで買ったもので、頑張ってフレットを直したりして。演奏したのは努で、弓で弾いているんですけど。
そういう有機的なものがあったらいいなと思って、ウッド・ベースを持ってきたり、できるだけそういうアプローチから始めていました。そのうえで“違うな”となったら、最後にシンセ・ベースを試す感じです。僕らはシンセ・ベースであまり複雑な演奏をするわけでもないので。
⸺「Thinkingscape」のベースは前半がコントラバスで、エレキ・ベースは後半から入ってきますが、この構成はどのように考えていったんですか？
もともとこの曲は、前半にはベースがなくて、後半からバンド・サウンドにするというアレンジだったんです。ウッド・ベースも最初は入っていませんでした。デモの段階で、“ここからバンドとしてのアレンジを考えよう”というポイントがあって、最初に後半から録り始めたんです。
後半を録ってから、前半もみんなで相談しながら、フルートだったかな？ そういう音やシンセを入れました。みんなで話したのはそこまでで、最終的に努がコントラバスを入れていたんです。
みんなで全部通して聴こうというタイミングで、“コントラバス、入れたんだね。いいね”という感じだったので、そこは僕はあまり関わっていないんですよ。
⸺後半のベースも、ときどきフレーズの入り方が変わるくらいで、基本的にはとてもシンプルですよね。先ほど話していたピンク・フロイドにも通じる、“フレーズを変えない”というこだわりでしょうか。
そうですね。自分がそんなにうまくないというのもあるんですけど、反復する音楽が好きなんです。反復するなかで、ほかの楽器のサウンドが少しずつ変化していくようなものが好きで、そういう形でアレンジを考えていました。
それに、「Thinkingscape」では一番最初にベースを録ったというのもあります。ベースでいろいろ展開をつけると、ほかの楽器もそれに合わせてアップダウンすることになる。だから、ベースの基本的なトラックは、あまりアップダウンがないくらいにしたほうが、あとからほかの楽器を自由に重ねられるんです。最初の段階で入っていたのが、キックと、ずっと同じことを弾いているアコギと、ベースだけだったので、逆にそこで展開をつけるのも難しかったんですよ。
⸺デモの時点では、その後の展開もわかっていたんですか？
いや、それもなかったです。後半は“最初のこれが最後まで続くよ”というループのデモがあって、どれくらいの尺の曲にするかも、みんなで決めていったので。「Thinkingscape」にはコーラスというか、少し歌が入っているんですけど、その時点ではそれも入っていませんでした。前半には、歌詞はないけど、なんとなく歌が入っていて。そこから展開して、後半は“この感じです”というループが続く。それをどんなアンサンブルやグルーヴにしていくか、みんなで決めていったんです。
⸺お話を聞いていると、改めて“ドラマーがいない”ということがベース・ラインにもけっこう影響しているんだな、ということがわかってきました。
そうですね。
サステインを自然に減衰させるために、スポンジを挟んでいる
⸺4曲目「Flowing」のシンセ・ベースも、すごく心地良い音だと感じました。音量が大きいわけではないのに存在感があって、自然に曲になじんでいます。音の長さなども絶妙で。この曲では、どんなことを工夫しましたか？
シーケンスで録っている曲で、モーグのシンセ・ベースの低音はやっぱり最高ですよね。Grandmotherではないんですけど、僕もモーグを使っていて。モーグのシンセの低音は、すごく良いんですよ。もちろんサステインの長さなども調節しますし、こだわります。
「Flowing」は、最初はキックが入っていないので、その間はアタックを緩やかにして、ふわっと鳴るようにしていました。キックが入ってきたタイミングで、アタックがある音に変えているんです。
⸺音色を変えるために、3回に分けて録ったんですか？
音は変えているんですけど、それは録り続けながら、そのタイミングでアタックを加えています。3回に分けたのは、シーケンスが64ステップくらいまでしか組めないからです。曲の展開が変わってフレーズが変わるときは、シーケンスも組み直す必要があるので、それで分けて録ったんです。
⸺「Hisoku Blue」も、ヴァースではほぼ同じベース・ラインが続きます。この曲のフレーズや音作りは、どう考えましたか？
最初はウッド・ベースで入れようと思っていたんですけど、やってみたら難しくて。曲によって、アンプの設定やベースの輪郭、低音とミッドのバランスは細かく調整するんですけど、時にこの曲はすごく良い音で録れたと思っています。ベース・ラインは、デモの段階でも入っていたかな。それを、サステインなどのニュアンスも含めて、僕が演奏し直した感じでしたね。
⸺アンプやベースは、全曲同じものを使ったんですか？
そうです。アンプはアンペグ製の同じもので、ベースも全部同じプレベです。ラインでも録って、キャビネットにもマイクを2本立てたんですけど、実際にはほぼ1本しか使っていないと思います。ペダルは一切通していません。
⸺「Hisoku Blue」はシェイカーとベースの兼ね合いも絶妙です。音価や、音を切るタイミングは、どんなことを意識しましたか？
ちょっとジャズっぽいニュアンスを感じていて。スピリチュアル・ジャズっぽさは、みんなでなんとなく話していたところでもありました。
この曲だったと思うんですけど、サステインを自然に減衰させるために、スポンジを挟んでいるんです。ブリッジ側ではなくてネックとボディのジョイント部あたりに挟みました。最初はウッド・ベースを使おうと思っていたんですけど、安いものだったので音を鳴らす位置によってムラがあって、録音するのが難しかったんです。それで、エレベでウッド・ベースっぽい鳴りを出すために試してみたら、意外とハマりました。
⸺スポンジを使ったのは、この曲だけですか？ その挟み方は、誰かの奏法を参考にしたんでしょうか。
この1曲だけだったと思います。誰かを参考にしたというより、やってみたらちょうど良かったんです。いろいろな位置に付けたり、巻いたりもして。本当に独自のやり方で試していた感じです。
⸺「You are Silence」も、ベースの音の消え方が絶妙ですよね。この曲では、音の長さをどう考えましたか？
これは、けっこう何も考えずに弾いていたと思います。いろいろ考えたうえで、“もうこれはルートだけでいこう”となって。ひたすらルートを丁寧に弾く、というだけでしたね。
⸺右手の奏法も、曲によって変えるんですか？
親指か、2フィンガーのどちらかですね。この曲は、たぶん親指だったと思います。パーム・ミュートしながら親指で弾くこともありますけど、この曲では普通に親指で弾いています。ピックで弾くことはないですね。
⸺「You are Silence」で使っているリズムマシンについても教えてください。パターンや音色は、どう考えているんですか？
使っているのはTR-8Sです。まず“どこに音が欲しいか”を入れてみたり、みんなで話したりして、音を入れる場所を決めます。そこが決まったら、あとはひたすら音を探す感じですね。
例えば“カッ”という音が、“ミッドのどのあたりで鳴っていたら気持ちいいのか”、“もっと高いところで鳴っていたほうがいいのか”みたいな帯域のことを考えながら、好きな音色を探して決めていきます。
⸺1曲目「Vanishing Waves」や最後の「Permanent Waves」などでは、“Sei”という自作楽器シリーズも使っていますね。これは、どういう楽器なんですか？
いつもライヴで使っているSei water WHALEは、ウォーターフォンをもとに、音階や響きを独自にアップデートした楽器なんです。ほかにも、鈴のような音のものがあって。最後の曲は、それとアコギと歌だけなんですけど。
輪っかの内側に剣山みたいなものがたくさん付いていて、そのなかに小さな玉が入っているものもあります。レインスティックを金属にしたような響きが鳴る楽器ですね。既存の楽器や量産の楽器ではなく、響きもひとつひとつ違うんです。その響きがすごくきれいで、好きなんですよ。そういう楽器を入れることで、楽曲の空気がより引き立つと思って使っています。
機材紹介記事に続く
（近日公開）
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