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【亀田誠治の60枚】自身が語る、ベーシスト／プロデューサーとしてのスタイルを形成した“心の名盤”たち【前篇：幼少期〜1979年】
- Interview：Shutaro Tsujimoto (Bass Magazine Web)
J-POP、J-ROCKに興味がある人間であれば、この名は一度は耳にしたことがあるだろう—亀田誠治。縦横無尽かつ変幻自在、それでありながら曲を最大限に生かす唯一無二のベース・プレイは、日本の音楽シーンに多大な影響を与え、ベース・アプローチのひとつの雛形を作ったと言える。また日本を代表するプロデューサー／アレンジャー／作詞作曲家としての活躍は、誰もが知るところだろう。
ここではそんな日本のポピュラー・ミュージック史に名を刻む亀田誠治を60枚のアルバムや楽曲からひも解いていく。ベーシスト、そしてプロデューサーとしての彼の歩みを支えた名盤や、心に深く刻まれた音楽の数々……亀田がどのようにして独自の音楽スタイルを確立していったのか。その歩みを振り返りながら、厳選された60枚とのエピソードを通して自身の音楽遍歴を明かしてもらった。
※本記事は『ベース・マガジン2024年8月号』のコンテンツをWEB用に再構成したものです。
厳選された60枚とともに語られる、
亀田誠治の音楽遍歴【前篇】
PROFILE
Photo by Yoshika Horita
かめだ・せいじ●1964年⽣まれ。音楽プロデューサー・ベーシスト。これまでに椎名林檎、平井堅、スピッツ、GLAY、いきものがかり、JUJU、石川さゆり、ミッキー吉野、Creepy Nuts、アイナ・ジ・エンド、[Alexandros]、FANTASTICS from EXILE TRIBEなど、数多くのアーティストのプロデュース、アレンジを手がける。2004年に椎名林檎らと東京事変を結成。2007年と2015年の日本レコード大賞にて編曲賞を受賞。2013年、J-POPの魅力を説く音楽教養番組『亀田音楽専門学校（Eテレ）』シリーズが大きな話題を呼んだ。2021年には映画『糸』にて日本アカデミー賞優秀音楽賞を受賞。同年、森雪之丞氏が手がけたロック・オペラ『ザ・パンデモニアム・ロック・ショー』では舞台音楽を、2022年夏には、ブロードウェイミュージカル『ジャニス』の総合プロデューサーを担当した。2019年より開催している、親子孫３世代がジャンルを超えて音楽体験ができるフリー・イベント“日比谷音楽祭”の実行委員長を務めるなど、さまざまな形で音楽の素晴らしさを伝えている。また、2019年より、親子孫３世代がジャンルを超えて音楽体験を楽しめるフリー・イベント「日比谷音楽祭」の実行委員長を務めている。2025年は5月31日（土）・6月1日（日）の2日間にわたり開催され、来場者数は合計14.5万人を記録。現在、クラウドファンディングによる支援が6月25日（水）まで受け付けられている。次回「日比谷音楽祭2026」は、2026年5月30日（土）・31日（日）に開催予定。
◎Information
HP 日比谷音楽祭
◎日比谷音楽祭2025クラウドファンディングは2025年6月25日（水）まで
亀田誠治に直接ベースのよろず相談もできる「亀田誠治とのオンラインMEET&GREET」コースもあり！
日比谷音楽祭2025クラウドファンディングの詳細はこちらから👇
日比谷音楽祭2025クラウドファンディング
「亀田誠治とのオンラインMEET&GREET」コース
▼後篇はこちら（有料会員限定）▼
01：エラ・フィッツジェラルド
『Ella Wishes You a Swinging Christmas』（1960年）
とにかく彼女の歌声が大好きです
我が家ではよくエラの歌うクリスマス・アルバムが流れていたので、彼女の音楽には小さい頃から接していました。とにかく歌声が大好きです。レイ・ブラウン（b）をはじめ、素晴らしい音楽家たちがエラのサウンドを支えていたことを知るのはずっとあとのことですね。エラの歌った曲から1曲選ぶなら、「Someone to Watch Over Me」。僕はこの曲のメロディ・ラインを、いつもサウンドチェックのときにベースで弾いています。
02：モーツァルト
『アルフレート・プリンツ／クラリネット五重奏曲イ長調 K. 581』（1979年録音）
モーツァルトは楽譜の先生でもあります
これも母親がずっと家で流していた音楽。クラリネット五重奏はとにかくメロディがシンプルで、モーツァルトらしい曲なんですけど、この優しいメロディとアレンジ、サウンドが本当に好きです。それと、僕は長いあいだ譜面アレルギーだったんですが、大学時代にクラシックのスコアを使って譜面を読む訓練をしました。だからモーツァルトは身体に染み付いた音楽であると同時に、楽譜の先生でもありますね。
03：チャイコフスキー
『小澤征爾／くるみ割り人形 組曲』（1974年録音）
100年、200年と愛される“楽曲”の魅力
子供の頃、姉のバレエの発表会で聴いた「くるみ割り人形」が大好きでした。クラシック音楽は演者を変えても、楽曲の印象が強く残っている。100年、200年と愛されてきた理由がわかります。自分の作る音楽も長く愛されてほしいという想いも含めて、僕はクラシック音楽に心惹かれているんだと思います。ここではリスペクトも込めて、今年（2024年）亡くなられた小澤征爾さんのヴァージョンを推薦したいと思います。
04：エルヴィス・プレスリー
『Elvis’ Golden Records』（1958年）
“時代を切り拓いた瞬間”のパワー
エルヴィスの良さがわかるようになったのは大人になってからですが、「監獄ロック（Jailhouse Rock）」のように、“時代を切り拓く瞬間”の曲が持っているパワーには、本当に素晴らしいものがあると思います。ベースのサウンドがウッドとエレキの境目にあるなかで “エレキ・ベースの時代が来る”のを示したのも彼のような気がしていて、僕にとってエルヴィスは欠かせない存在です。
05：ソニー・クラーク
『Cool Struttin’』（1958年）
莫大な時間を彼のベースとともに過ごしました
ポール・チェンバースは一番好きなベーシストのひとりで、彼のやんちゃで自由自在なプレイに惹かれています。このアルバムが好きになったのは大学生の頃。インタビューでは、“コピーはしたことがない”と言いましたけど、ポール・チェンバースの楽譜集は擦り切れるほど弾き込みましたね。コピーをするというよりは“楽譜と一緒に弾く”イメージ。莫大な時間を彼のベースとともに過ごしました。
06：スタン・ゲッツ＆ジョアン・ジルベルト
『Getz/Gilberto』（1964年）
ボサノヴァが始まった頃のシーンが放つ熱気
ジョアン・ジルベルトの歌声が大好きなのですが、それにもまして、ブラジル音楽の持っている奥深さやボサノヴァ、つまりニュー・ウェイヴが始まって間もない音楽シーンの熱気を味わうえで、この作品は外せません。名曲揃いのこのアルバムから、今の若い人たちにもぜひ当時の空気感を感じてほしいです。高校、大学時代に夢中になって、僕がさまざまなサウンドの魅力に惹かれていくきっかけとなった一枚です。
07：ビーチ・ボーイズ
『Pet Sounds』（1966年）
“ミュージシャンとは？”に対する答えがここに
世界一美しいメロディが光る「God Only Knows」は、ブライアン・ウィルソンが何百テイクもかけながら心の赴くままに作り上げたそうです。キャロル・ケイのベースがまた良くて、制作に携わったすべての音楽家が心血を注ぎ込んだことに心を動かされます。アーティスト、作家の直情的な想いを汲み取りながら、さらに高みを目指そうとするミュージシャンたちへの憧れが、この作品を通じて芽生えました。
08：マーヴィン・ゲイ＆タミー・テレル
『You’re All I Need』（1968年）
ファンク・ブラザーズの演奏が最高！
マーヴィンのアーティスト性がまだ開花しきっていない時代の作品で、特に「Ain’t Nothing Like The Real Thing」はファンク・ブラザーズの演奏が最高です。タミー・テレルのパフォーマンスが病気によりパワーダウンしつつあるなか、この曲が彼女に光明を照らすような“音楽の明るいエネルギー”を感じるところに心を打たれます。そして何よりジェームス・ジェマーソンのベース。彼のグルーヴが理屈抜きで大好きなんです。
09：ジャクソン５
『Diana Ross Presents The Jackson 5』（1969年）
どうやっても辿り着けないグルーヴの境地
「I Want You Back」は、“どうしたらこんなグルーヴが出せるんだ？”と何回聴いても頭をひねらせられる一曲。名曲に素晴らしい演奏が乗るときの力強さには変え難いものがあり、僕が長年目指していながらまだ達成できていない境地です。本当に真似できないんですよ！ この時代のモータウンだからこそなせた境地だと思います。小手先が通用しないベース・ラインとパンチの効いたグルーヴを堪能してほしいです。
10：ジャニス・ジョプリン
『Pearl』（1971年）
「Mercedez Benz」が琴線を揺さぶります
一昨年、ジャニスのミュージカルをプロデュースしたときに改めて彼女の音楽に向き合いました。女性アーティストの台頭、サイケデリックの登場など、多様なムーブメントが躍動していた当時、時代に揉まれながらも彼女が歌声ひとつで勝負している「Mercedez Benz」が特に僕の琴線を揺さぶります。ジャニスの登場という“時代が変わる瞬間”が刻まれた、僕にとって一生物のアルバムです。
11：はっぴいえんど
『風街ろまん』（1971年）
J-POPの礎を立ち上げた唯一無二のバンド
今までの日本の音楽になかったものを作るという取り組みに、4人で挑んだ作品。向こう何十年にもわたって聴き継がれ、ミュージシャンにとっての目標となり、スタンダードを作ったことに、時代を変えるエネルギーを感じます。日本一のグルーヴメイカーである細野晴臣さんの活躍はもちろん、メンバー全員がそれぞれ宝石のような名曲たちを残し、J-POPの礎（いしずえ）を立ち上げた功績は唯一無二です。
12：ルー・リード
『Transformer』（1972年）
「ワイルド・サイドを歩け」のベース・リフ
「ワイルド・サイドを歩け（Walk on the Wild Side）」には、ウッドとエレキの両方が鳴っているんですよ。このベースで和音を奏でるリフが僕の心を捕らえました。音楽がアートなどのほかのカルチャーと交わっていく当時の時代性は、ベースひとつを取っても新しいアプローチを生みだすのだなと刺激を受けましたね。まず和音があって、そこにメロディをつけていく僕のスタイルは、ここから生まれたと言っても過言ではありません。
13：ビートルズ
『The Beatles/1967-1970』（1973年）
「Hello, Goodbye」に見る、音楽の真実
「Hello, Goodbye」は、僕がベースを弾くきっかけになった曲です。気づいたときには母親のギターの低音弦でこの曲のベース・ラインが弾けちゃったんですが、それは曲が良くて、好きで何度も聴いていたからだと思います。中学生でもわかる英語でタイムレスに愛される楽曲が生まれるところに、僕は音楽の真実があるような気がしています。ポール・マッカートニーが大好きなベーシストであることは言うまでもありません。
14：荒井由実
『ひこうき雲』（1973年）
素晴らしい歌い手に貢献したい
今までにないタイプの音楽表現者が出てきたな、ということを感じさせる作品です。はっぴいえんどのようなミュージシャンのモーメントと、アーティストのモーメントが初めて合致し、ポピュラリティを獲得していく瞬間を目撃したような感覚を覚えました。荒井由実三部作は僕のJ-POPの原点になっていて、“素晴らしい歌い手に自分は貢献したい”と僕が思いを新たにしたきっかけであり象徴です。
15：エルトン・ジョン
『Rock of The Westies』（1975年）
「恋のデュエット」のポップさ加減の虜になりました
小学生の頃から、エルトン・ジョンが大好きでした。エルトン・ジョン＆キキ・ディーの「Don’t Go Breaking My Heart」（1976年）は“恋のデュエット”なんていうわかりやす過ぎる邦題とは裏腹に、ウーリッツァーにはじまりギターやストリングスが絡み合うポップさ加減は、小学6年生だった僕を虜にする作品だったことを覚えています。この曲が流れると今でもワクワクしますし、大人になった今でも毎年聴いている一曲です。
16：オリビア・ニュートン＝ジョン
『Have You Never Been Mellow』（1975年）
僕の永遠のアイドルです
エルトン・ジョンやビートルズとあわせて、小学生時代を鮮やかに彩ってくれた一枚です。ジョー・オズボーンがベースを担当した「Have You Never Been Mellow」は、演奏やアレンジが素晴らしいのはもちろん、オリビアの可愛さに魅了されたきっかけでもあります。最後の来日公演に至るまで、彼女は僕が追いかけ続けた“推し”にほかならず、まばゆいアイドルに憧れていた思い出が蘇ります。僕の永遠のアイドルです。
17：ボストン
『Boston』（1976年）
音へのこだわりに子供ながらに感動
どこまでも伸びる歪みを生むRocktronのエフェクターづかいや、3分半に凝縮される「More Than a Feeling」のポップで弾けたハーモニーの革新性は衝撃的でした。当時流行り始めていたシンセを“使っていない”と公言する姿勢にもシビれ、とにかく聴き込みました。発売日を遅らせてまでも手直しを加えようとする、リーダーのトム・ショルツの音へのこだわりには、子供ながらに感動を覚えました。
18：アバ
『Arrival』（1976年）
ポップ音楽は10年かけて作り上げるもの
映画やミュージカルが後年制作されるなど、長きにわたって愛されてきたことを踏まえると「Dancing Queen」もまた、時代を変えた一曲と断言できる作品です。ハイハットが一拍抜けることを嫌い、クラッシュ・シンバルを使わずに構築されたABBAのディスコ・サウンドは、ポップ・ミュージックは“10年かけて作り上げるものなんだ”ということを教えてくれます。ポップでいながらキュンときて、泣けてしまう楽曲です。
19：クイーン
『A Day at The Races』（1976年）
クイーンらしさを最も感じる時期
「Somebody to Love」は、僕がクイーンを知って掘り下げることになったきっかけの一曲です。全米トップ40を聴きまくっていた時期に出会いました。彼らはのちに「Another One Bites The Dust」をはじめ、サウンドを目まぐるしく変化させていくわけですが、「Bohemian Rhapsody」から「Somebody to Love」あたりのサウンドに僕はクイーンらしさを最も感じています。
20：アンドリュー・ゴールド
『What’s Wrong With This Picture？』（1976年）
LAのセッション・シーンに魅了された小学生時代
“なんて孤独な少年だったんだろう”と自らの少年時代を振り返る「Lonely Boy」は歌詞もさることながら、サウンドがとてもカッコいいことに注目です。ベースのケニー・エドワーズやギターのワディー・ワクテルをはじめとするリンダ・ロンシュタットまわりのミュージシャンたちの素晴らしい演奏は、TOTO登場以前のLAのセッション・シーンの存在を教えてくれ、小学生時代の僕を深く魅了しました。
21：ジャコ・パストリアス
『Jaco Pastorius』（1976年）
すべての曲が愛おしいアルバム
「Portrait of Tracy」は、ハーモニクスを自分で模索するのがとにかく楽しい一曲です。天才ベーシストであるジャコの紆余曲折を体現したようなこのアルバムは、すべての曲が愛おしくて、自分にとって彼が大きな存在であることを噛み締めさせてくれます。彼の演奏を完璧にコピーできるわけではありませんが、ベースでの歌い方や一音一音に込める想いみたいなものを、僕はジャコから学んだのではないかと思います。
22：フリートウッド・マック
『Rumours』（1977年）
アナログ・サウンドが最も光っていた時代
音楽史上最も売れたアルバムのひとつであり、アナログ・サウンドの音の良さが最も光っていた時代の名作でもあります。ギタリストのリンジー・バッキンガムの加入は、これまでブルースロック・バンドだった彼らが一気にポップさを獲得するきっかけとなりました。オリビア・ニュートン＝ジョンと並び、ヴォーカルのスティーヴィー・ニックスは当時小学生だった僕の“推し活”の推進力となっていた存在です。
23：ビリー・ジョエル
『The Stranger』（1977年）
アーティストがひと皮剥ける瞬間
僕が敬愛するアーティストのひとりであり、かれこれ10回以上はビリー・ジョエルのライヴに足を運びました。アーティストがひと皮剥ける瞬間に生まれる作品は、往々にして曲、アレンジ、歌詞、そして演奏まで、すべてが高いレベルに仕上がっているものです。『The Stranger』はまさにそんな作品で、自分のリスニング環境を確認する際、リファレンスして使っているアルバムでもあります。
24：コモドアーズ
『Commodores』（1977年）
とにかくドラムとベースの分離が良い
ライオネル・リッチーの歌もファンキーなバンド・サウンドもめちゃくちゃかっこいいのですが、そのなかで一際輝くバラードもののキラー・チューンが「Easy」です。ベーシストのハマ・オカモトさんもこの曲が大好きと言っていましたが、とにかくドラムとベースの分離が良い。なかでも1番と2番の間に挟まるベース・フレーズは、それだけでごはん何杯も食べられちゃうような魅力を感じますね。
25：エモーションズ
『Rejoice』（1977年）
女性版“アース”による極上のグルーヴ
モーリス・ホワイトが手がける女性版“アース・ウィンド＆ファイアー”とも言えるエモーションズ。時代の波にノッているアーティストがプロデュースをすると、こんなにも極上のグルーヴが生まれるのかと面食らう作品です。従来の女性グループが醸していた柔らかい印象を良い意味で裏切るパワフルなサウンドは、間違いなくのちに出てくるSWVやEn Vogue、デスティニーズ・チャイルドなどのグループに継承されています。
26：オフコース
『JUNKTION』（1977年）
緻密に設計された音楽の放つ輝き
高校受験のお供に聴いていた大好きなアルバムです。緻密ですごく設計されたサウンドなのですが、ティン・パン・アレーなどのセッション・ミュージシャンが作るそれとは違う、アーティストがこだわり抜いて作り込んだ一曲一曲は、宝石のような輝きを放っています。収録曲である「秋の気配」は、小田さんが導き出す何年経っても色褪せないベース・ラインの美しさを堪能できる一曲です。
27：ジャクソン・ブラウン
『Running On Empty』（1977年）
暗黒の時代が思い出されます（笑）
邦題が“孤独のランナー”ですが、まさに音楽が好き過ぎて、それ以外の物事がまるで見えなかった暗黒の時代が思い出されます（笑）。中学２年生ときの心のテーマソングですね。ツアーバスのなかで録音されたサウンドも閉じ込められたこの作品から、アメリカンな気配の魅力を感じていました。リーランド・スカラー（b）とラス・カンケル（d）がリズム体の作品を聴きまくるきっかけになった作品でもあります。
28：ブロンディ
『Parallel Lines』（1978年）
808と生音の融合がもたらした新しい響き
これも“時代が変わる瞬間”のサウンドです。「Heart of Glass」では、808（ローランド製TR-808）のポコポコとした音を取り入れていますが、でもドラムやベースは生楽器だったりするわけで、その斬新なアプローチに夢中になりました。アルバムを通して新しい音楽の到来に興奮していた一方、僕にとってはデボラ・ハリー（vo）の存在もまた、“推し活”の側面もありながら追っていたアーティストかもしれません（笑）。
29：シック
『C’est Chic』（1978年）
東京事変の土台となったグルーヴ
ファンクやディスコに新しいコード感をもたらした存在だと思います。ナイル・ロジャース（g）のメロディ・メーカーとしてのセンス、そしてバーナード・エドワーズ（b）のグルーヴ。ファンクほど泥臭くもなく、それでいて人間味があり洗練されている、とにかく踊らせるための躍動感を覚えます。僕が東京事変で目指していたグルーヴには、シックから影響を受けたものが土台にあると思います。
30：シェリル・リン
『Cheryl Lynn』（1978年）
「Got to Be Real」のクレジットの衝撃
彼女の代表曲である「Got to Be Real」は最高にファンキーな楽曲ですが、この曲の驚くべき点は、デヴィッド・フォスターやTOTOのデヴィッド・ペイチが作曲やプロデュースを手がけていることです。白人でもここまでのグルーヴ感を出せるのかと、感動したことを覚えています。国籍や肌の色ではなく、自身の向き合い方次第で魅力的なグルーヴは組み立てられるのだと気付かされました。
◎記事の後篇に続く
後篇では、1979〜2024年にリリースされた30枚の“心の名盤”を紹介！
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